As 10 naturezas-mortas mais famosas e belas do mundo

Essa direção das belas artes foi apontada no século XNUMX na Holanda. Claro, os artistas já pintaram objetos inanimados antes, mas geralmente eles faziam parte da composição.

Na Rússia, o gênero natureza morta foi reconhecido muito mais tarde (no século XNUMX). Por muito tempo foi considerado inferior, percebido como uma produção formativa. No entanto, mesmo agora, para a maioria das pessoas, as naturezas-mortas são uma forma de arte sem sentido, banal e desinteressante.

Os artistas retratam frutas, velas, flores, comida e outros objetos, mas essas pinturas não fazem sentido? Pelo contrário, está tão profundamente escondido que nem todo conhecedor de arte poderá encontrá-lo. Ao criar naturezas mortas, são utilizados símbolos e imagens, cada um deles identificado com várias situações e fenômenos da vida, sentimentos e emoções.

Ao longo de quatro séculos, um grande número de pinturas desse gênero foi criado, mas entre elas podem ser distinguidas as naturezas-mortas mais famosas.

10 “Lilás”, Pyotr Konchalovsky

Imagem "lilás" localizado no Museu de Arte da Letônia (Riga). Criado em 1951. Esta não é a única imagem das belas flores do arbusto. Piotr Konchalovsky era fã da planta, chegou a ser chamado de “cantor de lilás”. Ao longo de sua vida, ele pintou mais de 40 belas naturezas mortas com um tema semelhante.

Nesta versão, os galhos lilás estão em uma jarra comum sobre uma mesa suja e áspera. Contraste. A obra foi criada no início das repressões stalinistas. Konchalovsky entendeu que a injustiça reinava no país. Mas as flores desabrocharam e parece que a tela tem seu próprio cheiro – primavera e esperança pelo melhor. Contra todas as probabilidades.

9. “Buquê finlandês”, Boris Kustodiev

Natureza morta de flores de 1917, mantida no Museu do Estado da cidade de Arkhangelsk. Boris Kustodiev era um pintor de retratos talentoso, e “Buquê finlandês” pertence ao período de Vyborg. Nessa época, a artista estava em reabilitação após uma cirurgia. A imagem foi pintada em um sanatório. Ele retrata plantas comuns: camomila, cardo, samambaia. O desenho é simples e descomplicado, agrada aos olhos. Ao ver a foto, você entende que a felicidade é lugar-comum. A beleza está próxima e, para a verdadeira alegria, você precisa de muito pouco.

8. Cortina, jarro e fruteira de Paul Cezanne

“Cortina, jarro e fruteira” – uma das pinturas mais famosas e belas do gênero natureza morta. Criado no final dos anos 90 do século XIX. Em 1999, foi vendido em leilão pelo preço recorde de US$ 60 milhões.

Na verdade, você não pode simplesmente passar por esta imagem. Atrai visualmente com suas partes desequilibradas. As cores contrastam: o frio da jarra e o calor da fruta. Graças às sutis transições de cores, Cézanne conseguiu reproduzir objetos tridimensionais, tridimensionais.

7. “Natureza morta”, Kazimir Malevich

A imagem foi criada em 1910. Localizada no Museu Estatal Russo. Malevich escreveu durante o período de buscas criativas. Sentia-se um reformador, lutava contra o realismo e considerava o classicismo um fenômeno que se tornara obsoleto. muitos de seus “Natureza morta” parece incomum: como se fosse um desenho inepto de uma criança, e não de um artista experiente.

No centro da obra está um vaso branco com frutas, algumas das quais estão sobre a mesa. A imagem é heterogênea. Suas partes pertencem a diferentes estilos. Com esta bela obra, Malevich quis mostrar que a realidade é secundária (em relação à forma pictórica). Mesmo aqui é possível notar uma característica distintiva inerente a muitas obras de Kazimir Severinovich – o uso de cores vivas, que se tornaram um símbolo da energia irreprimível do artista.

6. “Natureza morta com caveira e penas” de Pieter Claesz

“Natureza morta com caveira e penas” pode ser visto no Metropolitan Museum of Art (Nova York). Foi criado em 1628. Pertence ao gênero vanitas (naturezas mortas dedicadas à morte).

A imagem é linda, mas assustadora. Uma caveira, um vidro virado, uma lamparina a óleo extinta – tudo isso são símbolos da transitoriedade da vida. Uma diferença marcante entre esta pintura e muitas outras feitas em um gênero semelhante é a paleta limitada. Claes usa várias cores e suas tonalidades, o que enfatiza a seriedade e a melancolia da composição. Todo contemplador da imagem entende que a vida um dia terminará, o conhecimento e o vinho são impotentes – nada ajudará uma pessoa a ganhar a eternidade …

5. “Vaso de Flores”, Pierre-Auguste Renoir

A pintura é mantida no famoso Museu de Arte de Cambridge. Renoir especializada em retratos e cenas de gênero. As flores eram para ele entretenimento, relaxamento. Existe uma versão de que o artista criou essas pinturas com o objetivo de ganhar dinheiro, pois vendiam bem.

“Vaso com Flores” escrito em 1866. O buquê de jardim usual, que incluía as plantas mais comuns. As cores são brilhantes. A profusão de cores torna-se um lembrete da beleza e abundância da natureza. A combinação de cores é clássica, correta. A harmonia e a paz são a mensagem principal desta imagem.

4. “Maçãs e folhas”, Ilya Repin

Quadros “Maçãs e Folhas” localizado no Museu Russo (São Petersburgo). Ilya Efimovich o criou em 1879. À primeira vista, a imagem pode parecer muito simples e descomplicada: maçãs contra o fundo das folhas. Isso é apenas a composição é feita com tanta maestria que há uma sensação de realismo. A imagem é volumosa e como se estivesse cheia de ar, os mínimos detalhes são cuidadosamente desenhados. Ela é brilhante e expressiva.

A obra foi criada Repin no auge de sua popularidade. Naquele momento de sua vida, ele estava indo bem tanto em sua carreira quanto em sua vida pessoal. Tais circunstâncias não podiam deixar de afetar o humor do artista. Não é de estranhar que ao contemplar a tela surjam emoções e sentimentos favoráveis.

3. Cesta de frutas de Michelangelo Caravaggio

"Cesto de frutas" Criado em 1596, guardado na Biblioteca Ambrosiana (Milão). Alguns historiadores da arte acreditam Michelangelo fundador do gênero natureza morta.

A imagem é o mais naturalista possível: o cesto está à beira da mesa, cheio de fruta. Os frutos foram colhidos junto com as folhas, e os primeiros sinais de murcha já são visíveis. A falta de vida da composição enfatiza o tom – um mínimo de detalhes.

Com esta imagem, Caravaggio quis mostrar a passagem do tempo. O frescor exuberante é substituído pela decadência e morte, inevitabilidade.

2. Cereja de pássaro em um copo, Kuzma Petrov-Vodkin

Uma das pinturas mais famosas do artista soviético. Criado em 1932. “Cereja de passarinho em copo” localizado no Museu Estatal Russo de São Petersburgo.

Um galho de cerejeira é cercado por objetos espalhados aleatoriamente. As coisas não têm uma conexão visível umas com as outras, mas a imagem parece harmoniosa. Existe uma versão de que um conjunto despretensioso de objetos personifica a severidade do período histórico em que o quadro foi pintado. Petrov-Vodkin.

1. Girassóis em um vaso amarelo, Van Gogh

Van Gogh considerado um mestre da natureza morta. O artista criou toda uma série de pinturas dedicadas aos girassóis. A tela que nos interessa foi criada em 1888. Localizada na London National Gallery.

Na foto “Girassóis em um vaso amarelo” um vaso rústico tosco é retratado. É pequeno no tamanho e não há espaço para girassóis, mas não apenas em um vaso, no espaço. Nada incomum: a beleza natural das cores e o brilho das cores. Para Van Gogh, o amarelo estava associado à esperança e à amizade, e o girassol era para ele um símbolo de gratidão.

Do que se trata esta imagem? Sobre uma vida bela e trágica. Flores, animais, pessoas – todos os seres vivos um dia acabam. Devo ficar chateado com isso? Cada pessoa tem sua própria resposta para essa pergunta, mas não há necessidade de gastar minutos e horas preciosos com preocupações. Ninguém e nada pode parar o tempo.