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A deusa do amor e da beleza na pintura de Botticelli é triste e distante do mundo. Seu rosto triste chama nossa atenção. Por que não há felicidade nisso, a alegria de descobrir e reconhecer o mundo? O que o artista queria nos dizer? O psicanalista Andrei Rossokhin e a crítica de arte Maria Revyakina examinam a pintura e nos contam o que sabem e sentem.
«O AMOR CONECTA O TERRENO E O CÉU»
Maria Revyakina, historiadora da arte:
Vênus, personificando o amor, fica em uma concha do mar (1), que o deus do vento Zephyr (2) leva para a margem. A concha aberta no Renascimento era um símbolo da feminilidade e foi literalmente interpretada como um útero feminino. A figura da deusa é escultural, e sua postura, característica das estátuas antigas, enfatiza a facilidade e a modéstia. Sua imagem imaculada é complementada por uma fita (3) em seu cabelo, um símbolo de inocência. A beleza da deusa é fascinante, mas ela parece pensativa e distante em comparação com outros personagens.
No lado esquerdo da imagem vemos um casal - o deus do vento Zephyr (2) e a deusa das flores Flora (4)entrelaçados em um abraço. Zephyr personificava o amor terreno e carnal, e Botticelli aprimora esse símbolo ao representar Zephyr com sua esposa. No lado direito da imagem, a deusa da primavera, Ora Tallo, é retratada. (5), simbolizando o amor casto e celestial. Essa deusa também estava associada à transição para outro mundo (por exemplo, com o momento do nascimento ou morte).
Acredita-se que murta, guirlanda (6) da qual vemos em seu pescoço, sentimentos eternos personificados, e a laranjeira (7) estava associado à imortalidade. Assim, a composição da imagem sustenta a ideia principal da obra: sobre a união do terreno e do celestial por meio do amor.
A gama de cores, onde predominam os tons azuis, confere à composição leveza, festividade e ao mesmo tempo frieza.
Não menos simbólica é a gama de cores, dominada pelos tons de azul, transformando-se em tons de cinza-turquesa, o que confere à composição leveza e festividade, por um lado, e certa frieza, por outro. A cor azul naqueles dias era típica para mulheres jovens casadas (elas estão cercadas por um casal).
Não é por acaso que há uma grande mancha de cor verde no lado direito da tela: essa cor foi associada tanto à sabedoria e castidade, quanto ao amor, alegria, triunfo da vida sobre a morte.
Cor do vestido (5) Ory Tallo, que desbota do branco ao cinza, não é menos eloquente que o tom vermelho-púrpura do manto (8), com a qual ela vai cobrir Vênus: a cor branca personificava pureza e inocência, e o cinza foi interpretado como símbolo de abstinência e Grande Quaresma. Talvez a cor do manto aqui simbolize o poder da beleza como força terrena e o fogo sagrado que aparece todos os anos na Páscoa como força celestial.
«ADMISSÃO DA BELEZA E A DOR DA PERDA»
Andrey Rossokhin, psicanalista:
O confronto oculto na imagem dos grupos de esquerda e direita chama a atenção. O deus do vento Zephyr sopra em Vênus da esquerda (2)representando a sexualidade masculina. À direita, a ninfa Ora a encontra com um manto nas mãos. (5). Com um gesto carinhoso e maternal, ela quer jogar um manto sobre Vênus, como que para protegê-la do vento sedutor de Zéfiro. E é como lutar por um recém-nascido. Veja: a força do vento é direcionada não tanto para o mar ou para Vênus (não há ondas e a figura da heroína é estática), mas para este manto. Zephyr parece estar tentando impedir Ora de esconder Vênus.
E a própria Vênus está calma, como se estivesse congelada no confronto entre duas forças. Sua tristeza, desapego do que está acontecendo chama a atenção. Por que não há felicidade nisso, a alegria de descobrir e reconhecer o mundo?
Vejo nisso uma premonição de morte iminente. Principalmente simbólico - ela abre mão de sua feminilidade e sexualidade por causa do poder materno divino. Vênus se tornará a deusa do prazer amoroso, que ela mesma nunca experimentará esse prazer.
Além disso, a sombra da morte real também cai na face de Vênus. A florentina Simonetta Vespucci, que supostamente posou para Botticelli, era o ideal de beleza daquela época, mas morreu repentinamente aos 23 anos de tuberculose. A artista começou a pintar «O Nascimento de Vênus» seis anos depois de sua morte e involuntariamente refletiu aqui não apenas a admiração por sua beleza, mas também a dor da perda.
Vênus não tem escolha, e esse é o motivo da tristeza. Ela não está destinada a experimentar atração, desejo, alegrias terrenas
roupas de Ora (5) muito semelhantes às roupas de Flora da pintura «Primavera», que funciona como símbolo de fertilidade e maternidade. Isso é maternidade sem sexualidade. Esta é a posse de poder divino, não atração sexual. Assim que Ora cobrir Vênus, sua imagem virginal se transformará imediatamente em uma mãe-divina.
Podemos até ver como a borda do manto se transforma em um gancho afiado do artista: ele puxará Vênus para um espaço prisional fechado, marcado por uma paliçada de árvores. Em tudo isso, vejo a influência da tradição cristã – o nascimento de uma menina deve ser seguido por uma concepção e maternidade imaculadas, contornando o estágio pecaminoso.
Vênus não tem escolha, e esta é a razão de sua tristeza. Ela não está destinada a ser uma amante de mulheres, como aquela que voa no voluptuoso abraço de Zephyr. Não destinado a experimentar atração, desejo, alegrias terrenas.
Toda a figura de Vênus, seu movimento é direcionado para a mãe. Mais um momento – e Vênus sairá da concha, que simboliza o útero feminino: ela não precisará mais dela. Ela porá os pés na mãe terra e vestirá as roupas de sua mãe. Ela se envolverá em uma túnica roxa, que na Grécia antiga simbolizava a fronteira entre os dois mundos – tanto os recém-nascidos quanto os mortos eram envoltos nele.
Assim é aqui: Vênus nasce para o mundo e, mal conseguindo encontrar a feminilidade, o desejo de amar, ela instantaneamente perde sua vida, o princípio vivo – o que a concha simboliza. Um momento depois, ela continuará a existir apenas como uma deusa. Mas até este momento, vemos na foto a bela Vênus no auge de sua pureza virginal, ternura e inocência.